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Virtuel, hebdomadaire, pour les arts et la culture dans nos Laurentides Édition du 22 novembre 2017 Dans nos actualités, cette semaine…

Et au pire, on se mariera

Et au pire, on se mariera, met en vedette Sophie Nélisse, Karine Vanasse et Jean-Simon Leduc. Le film sort sur les écrans du Québec le 15 septembre. Et au pire, on se mariera, a été sélectionné en compétition officielle au Festival du film francophone d’Angoulême qui s’est tenu du 22 au 27 août. Il sera également présenté en sélection officielle dans la section «True North», au Vancouver International Film Festival au début d’octobre.

Ce treizième long métrage de Léa Pool, écrit par cette dernière et la romancière Sophie Bienvenu, auteure du roman éponyme qui est publié aux éditions La Mèche, traite des amours interdites et de la violence des premiers émois. Comme l’enfer, l’amour est pavé de bonnes intentions. Et au pire, on se mariera, c’est l’histoire d’Aïcha (quatorze ans), de ceux qui l’aiment, de cet amour qui dévore et qui détruit. Seule avec sa mère Isabelle (Karine Vanasse), Aïcha (Sophie Nélisse) ne pardonne pas à celle-ci d’avoir mis à la porte son beau-père algérien qu’elle adorait. Lorsqu’elle rencontre Baz (Jean-Simon Leduc), un gars qui a le double de son âge, c’est le coup de foudre, le vrai, le fort, celui qui fait mal. Baz veut aider cette adolescente qui semble perdue, mais elle désire bien plus de lui et elle est prête à tout pour l’obtenir.

Suivre Aïcha, c’est entrer dans un labyrinthe pour s’y perdre autant qu’elle…

Dans sa démarche cinématographique, Léa Pool privilégie des histoires touchantes, sensuelles et passionnées lui permettant d’explorer un vaste registre d’émotions. Elle s’est vu décerner de nombreuses distinctions au cours de sa carrière. Son dernier long métrage, La Passion d’Augustine a reçu six prix lors du Gala du cinéma québécois 2016, dont ceux de la meilleure réalisation et du meilleur film.

Et au pire, on se mariera, est produit par Lyla Films, en coproduction avec Louise Productions (Suisse), avec la participation financière de la SODEC, de Téléfilm Canada, des programmes de crédits d’impôts du Québec et du Canada, ainsi que du Fonds Harold Greenberg.

À la production de Et au pire, on se mariera, nous retrouvons Lyse Lafontaine, François Tremblay (Lyla Films) et Elisa Garbar (Louise Productions), Denis Jutzeler, à la direction photo, Patrice Bengle, à la direction artistique, Michèle Hamel, aux costumes, Michel Arcand, au montage, sur une musique originale de Michel Cusson.

Distribué par K-Films Amérique, Et au pire, on se mariera, prend l’affiche au Québec le 15 septembre.

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Gabriel et la montagne

Avant d'intégrer une prestigieuse université américaine, Gabriel Buchmann décide de partir un an faire le tour du monde. Après dix mois de voyage et d'immersion au coeur de nombreux pays, son idéalisme en bandoulière, il rejoint le Kenya, bien décidé à découvrir le continent africain. Jusqu'à gravir le Mont Mulanje au Malawi, sa dernière destination. Gabriel et la montagne est un drame brésilien et français de Fellipe Barbosa.

Pourquoi avoir voulu retracer le parcours de Gabriel Buchmann?

Gabriel était un de mes camarades de classe dans le lycée où mon premier film «Casa Grande» se passe. Et c’était mon ami. Il a disparu en août 2009. Son histoire est assez connue au Brésil. Je crois que son optimisme, son sourire sur toutes les photos qui ont été retrouvées de lui ont touché les gens. Son appareil photo fut le point de départ de mes recherches. Il a laissé tellement de questions sans réponses, faire ce film était aussi un moyen de les trouver.

Les mots qu’il emploie dans l’e-mail envoyé à sa famille étaient ceux d’un idéaliste. «Je voyage comme j’ai toujours rêvé, pas de manière touristique...» Le texte était plus long que ce que l’on entend dans le film. Il me fait penser à Candide de Voltaire. C’est un personnage sans cynisme, presque clownesque, qu’on ne voit plus beaucoup au cinéma aujourd’hui.

Il est très rare pour nous, Brésiliens, de voyager en Afrique. Gabriel y cherchait un bien-être qu’il a trouvé et que j’ai retrouvé à mon tour en m’y rendant pour la première fois en 2007, dans le cadre d’un atelier de cinéma organisé par Mira Nair. Ce voyage a changé ma vision du monde. Moi aussi, j’aurais pu être Gabriel.

Quelle ambition poursuivait Gabriel en se lançant dans ce tour du monde ?

Il avait pris un congé sabbatique d’un an. Son voyage a commencé à Londres, ont suivi Paris, la Russie, l’Asie, Dubaï, Nairobi. Le film démarre au huitième mois de son voyage. Gabriel étudiait les sciences économiques et voulait effectuer des recherches sur la pauvreté en Afrique. La plupart de ses confrères économistes pensaient que c’était une bêtise d’aller chez les pauvres pour étudier la pauvreté. Selon eux, elle est structurelle, elle se comprend dans les livres. Gabriel, lui, voulait côtoyer les gens. Cette façon de voyager était aussi une manière pour lui de se sentir vivant. Il voulait embrasser le monde. D’un côté, il rencontrait les habitants de ces pays, de l’autre, il gravissait des montagnes. Un geste très symbolique de beauté, de paix et de quête de Dieu. Quand je dis Dieu, je pense à une forme de spiritualité. Gabriel cherchait à vivre et il a trouvé la mort. C’est très ironique. Il lui aura fallu mourir pour devenir immortel. J’espère le faire renaître par le biais du cinéma. J’ai d’ailleurs filmé l’ouverture du film comme une résurrection : on découvre le corps sans vie de Gabriel et la scène suivante, il surgit d’un coup dans le cadre. Il renaît.

« Gabriel et la montagne » est à mi-chemin entre la fiction et le documentaire. Vous y mêlez acteurs professionnels – Gabriel (Joao Pedro Zappa), sa copine (Caroline Abras), les autres touristes – aux habitants des pays qu’il traverse. Comment avez-vous pensé l’écriture du film?

C’est en les rencontrant lors des repérages que j’ai compris qu’il me fallait filmer les vraies personnes que Gabriel a rencontrées durant son périple, et recueillir leurs témoignages. Chaque fois que nous avons retrouvé une personne qui avait rencontré Gabriel sept ans auparavant, j’ai senti sa présence et j’ai su que nous étions sur la bonne voie. J’ai toujours eu l’intention de faire une fiction. J’avais un scénario, des scènes écrites dans lesquelles j’avais condensé beaucoup de choses qui étaient arrivées à Gabriel en soixante-dix jours. Scénario que je demandais aux interprètes d’oublier sur le tournage. Je voulais maintenir un esprit d’improvisation. J'ai vraiment aimé ces personnes. Et la plupart d'entre eux ont aussi aimé Gabriel : ils étaient heureux de revivre les moments qu’ils avaient partagés. C’était comme si Gabriel avait déjà lui-même composé un casting incroyable. Le processus fut assez naturel et magique. Cela donne au film un aspect documentaire, mais sa forme est fictionnelle.

Le tournage a dû être très émotionnel ?

Lors de mon travail de recherche, j’étais très touché dès que je rencontrais quelqu’un qui avait connu Gabriel ou que je me retrouvais dans un endroit où il s’était rendu. Son corps avait été là et son esprit y était encore. Pendant le tournage, j’étais davantage concentré sur le film, mais on a souvent pleuré. À Zanzibar, lors d’un jour off, je sors de l’hôtel et un Nigérien vient mendier auprès de moi. Je lui demande «As-tu connu Gabriel Buchmann?» Et là, il me répond : «Bien sûr, c’était un ami à moi». J’étais déjà venu à Zanzibar en 2011 pour mes recherches et je n’avais pas réussi à retrouver Tony Montana, le Nigérien qui, dans le film, parle du paludisme. Je n’avais qu’une photo de lui. Je l’ai comparée à cet homme qui venait de m’alpaguer. C’était lui! Il est resté avec nous toute la journée du lendemain. On a tourné quelques scènes. C’était très émouvant, une sorte de miracle. Comme si les gens que je n’avais pas réussi à retrouver venaient naturellement à moi. On a un dicton en portugais qui dit : «Dieu écrit droit avec des lignes tordues».

En termes de cinéma, aviez-vous des sources d’inspiration ?

J’ai beaucoup pensé à «Des hommes et des dieux» de Xavier Beauvois. Un film que j’adore, aussi différent du mien qu’il en est proche émotionnellement, sur des hommes à la recherche de Dieu et qui ne sont jamais plus forts que lorsqu’ils se retrouvent face à la mort. J’avais aussi à l’esprit le souvenir d’«Un homme nommé cheval», avec Richard Harris, un film d’aventures que j’aimais beaucoup dans ma jeunesse. J’ai aussi pensé à d’autres films au sujet similaire, mais desquels je voulais, au contraire, me distancier comme «Into The Wild» de Sean Penn, «127 Heures» de Danny Boyle ou «Gerry» de Gus Van Sant. Mais l’influence la plus importante reste le magnifique «Sans toit ni loi» d’Agnès Varda. Un mois avant de tourner «Gabriel et la montagne», j’ai envoyé le scénario à Ira Sachs (réalisateur de «Brooklyn Village»), un très bon ami, et il m’a conseillé de revoir le film de Varda. Je ne m’en souvenais pas, mais le film commence de la même manière par une scène où un paysan découvre le cadavre de Sandrine Bonnaire. Puis, il retrace le parcours de cette fille par le biais des gens qu’elle a croisés. Il y a aussi, chez Varda, un aspect faux documentaire… J’ai demandé à toute mon équipe de regarder «Sans toit ni loi». La grande différence, tout de même, c’est que Gabriel est aimé par les gens. Alors que, dans le film d’Agnès Varda, la vision qu’ont les autres du personnage de Sandrine Bonnaire est beaucoup plus cynique.

Jean Rouch, le grand cinéaste ethnographe de l’Afrique, a-t-il compté pour vous ?

Complètement. Rouch fut l’une de mes premières passions cinéphiles. Durant le premier semestre de mes études à New York, j’ai suivi des cours sur le cinéma ethnographique avec un professeur brésilien qui avait beaucoup travaillé auprès des communautés indigènes au Brésil. C’est lui qui m’a fait découvrir Jean Rouch. J’avais dix-neuf ans et son oeuvre a eu un impact très fort sur moi. «La Pyramide humaine», «Jaguar», «Les Maîtres fous» ou «Chronique d’un été» sont des films qui me sont très chers.

Derrière l’hommage à votre ami disparu, le film est une comédie grinçante sur l’arrogance du globe-trotter qui croit se fondre dans les cultures locales.

Ce n’était pas mon intention de départ, mais c’est le personnage. Tous ceux qui l’ont rencontré vous disent à quel point Gabriel était naïf et arrogant à la fois. C’est une conséquence de notre éducation au sein de la bourgeoisie brésilienne. Une éducation catholique, masculine, qui vous inculque l’idée que vous êtes quelqu’un de spécial, que vous incarnez le meilleur du pays. Néanmoins, Gabriel n’est pas un voyageur comme vous et moi. Il va jusqu’au bout de son ambition, il vit et partage avec des gens très pauvres, il se coupe de tout confort. Il faut un certain courage pour y arriver. Réciproquement, sa présence importe à ceux qu’il rencontre. On voit sur le visage d’Alex et de ses enfants, au début du film, qu’ils sont heureux de connaître Gabriel. C’est la première fois qu’ils communiquent avec un Mzungu (un blanc au Kenya, ndlr).

La cohabitation et les rapports entre classes sociales étaient au centre de votre premier et précédent film, «Casa Grande». Qu’en diriez-vous cette fois-ci ?

Quiconque a grandi à Rio dans les années 1980 et 1990 est touché par les inégalités. C’était une période terrible en termes de pauvreté. Vivre aisément à cette époque a créé beaucoup de culpabilité. Or, Gabriel, comme moi, appartenait à une famille riche, mais étudiait dans une école où régnait une grande mixité sociale. À ce titre - je ne l’ai compris que récemment -, «Gabriel et la montagne» commence là où «Casa Grande» finit.

Vous avez tourné «Gabriel et la montagne» dans certains coins complètement sauvages et retirés, et à une altitude folle.

On est même monté sur le pic Uhuru, le plus haut du Kilimandjaro, qui culmine à plus de cinq mille huit cents mètres d’altitude. On était treize dans l’équipe. Un quart des gens qui l’empruntent arrivent jusqu’au bout. Sur les treize membres de l’équipe ce jour-là, treize sont arrivés au sommet. Dix-huit heures de marche pour tourner un plan. Mon chef opérateur, Pedro Sotero, est asthmatique, mais il est arrivé au sommet, et avec toute sa lucidité. En plus, c’était le seul de l’équipe image : son assistant-caméra, son chef machiniste et les autres étaient malades ce jour-là. Il est recommandé de ne pas rester plus de dix minutes à une telle attitude. On y est restés quarante minutes, le temps de tourner un plan. Pedro a eu l’intelligence de mettre un objectif 18 mm et de fermer l’iris au maximum pour obtenir une grande profondeur de champ et ne pas avoir de problème de point. On a fait une prise. Les guides nous ont interdit d’en faire une autre.

Le plan-séquence d’ouverture est très beau. Ce paysage sublime, ces deux paysans malawiens qui l’arpentent et ce corps intrus qu’ils découvrent. Elle installe un suspense qui tient tout le long du film : comment Gabriel a-t-il échoué là ?

On l’a filmée le dernier jour du tournage. Il fallait marcher de notre refuge jusqu'au lieu, le véritable nid où Gabriel a été retrouvé. Il y avait quelque chose de spirituel dans le fait d’être là où cela s’était passé. On avait prévu deux heures de marche pour y arriver et quatre heures de prises de vue. Or, on a mis quatre heures pour y aller et il nous restait deux heures pour tourner. On a d’abord filmé la dernière scène du film. Et il ne nous restait que quinze minutes pour mettre en boîte la première. Le plan devait être filmé à la grue. Pris par le temps, on s’est contenté d’un panoramique, ce qui est finalement beaucoup plus cohérent avec le reste du film. La première prise a été magique, la beauté de ces hommes au travail a ému toute l’équipe. Mais Pedro, mon chef opérateur, m’a demandé une autre prise. Sur la seconde, son zoom de fin était parfait. C’est celle que l’on a utilisée.

Le cinéma brésilien connaît un nouvel essor. Vous sentez-vous appartenir à une génération d’artistes ?

Un nom lui a même été donné, mais personne ne l’emploie : «novissimo», en référence au cinéma novo. Nos films sont très différents, mais une certaine solidarité s’est créée entre nous, notamment grâce aux festivals où on se retrouve pour la plupart. Je pense à Anna Muylaert («Une seconde mère», «D’une famille à l’autre»), Jùlia Murat («Historias»), Gabriel Mascaro («Ventos de Agostos», «Rodéo»), Marco Dutra & Juliana Rojas, Felipe Bragança, Marina Meliande, Gabriel Martins, Michael Wahrman… Et bien sûr, Kleber Mendonça Filho («Aquarius», «Les Bruits de Recife»). On sent que quelque chose se passe qui, je pense, est dû aux politiques culturelles qu’ont initiées Lula et le Parti des travailleurs durant ces quinze dernières années. Ils ont, entre autres, mis en place un fonds national du cinéma très proche du CNC français. Quand j’ai débuté dans les années 1990, un seul film était produit chaque année au Brésil. Aujourd’hui, on est à environ cent quarante films par an.

Gabriel et la montagne sera à l’affiche du Ciné-répertoire du Cinéma Carrefour du Nord, le 30 octobre.

Les rois mongols

Montréal, octobre 1970.

La famille de Manon, douze ans, est sur le point d’éclater : elle et son petit frère Mimi seront placés en famille d’accueil. Manon est révoltée. Inspirée par l’actualité politique, elle élabore un plan et prend en otage une vieille femme pour revendiquer le droit de choisir son avenir. Aidée de ses cousins Martin et Denis, elle quitte la ville avec Mimi et la vieille dame, déterminée à trouver un refuge où ils seraient enfin tous libres et heureux.

Un film à la fois sensible, drôle et dur, Les rois mongols, c’est le regard lucide d’enfants sur le monde adulte, ses mensonges et ses trahisons.

Comédie dramatique de Luc Picard, avec Milya Corbeil-Gauvreau, Henri Picard, Anthony Bouchard, Alexis Guay, Clare Coulter et Julie Ménard, tirée du roman de Nicole Bélanger.

À l’affiche depuis le 22 septembre.

Pieds nus dans l’aube

Hiver 1927. Dernière année de Félix dans l’école du village avant le grand voyage vers le collège privé, prévu à l’automne. Rien n’est sûr encore, mais l’oncle Rodolphe a des connexions là-bas qui pourrait permettre cette éventualité. En attendant, il lui reste un dernier été à passer dans sa grande famille de dix frères et sœurs. Fils de Léo, le marchand défricheur, Félix est un enfant plutôt rêveur. Sensible à tout ce qui l’entoure, de nature contemplative, cet enfant de douze ans fera face cet été là pour la première fois à l’adversité, l’amour et la mort. Nouvellement accompagné d’une forte amitié avec Fidor, enfant pauvre demeurant à la ferme à l’extérieur du village, il comprendra que l’enfance a une fin et que la vie d’adulte doit bien débuter quelque part.

Drame québécois de Francis Leclerc, avec Roy Dupuis, Claude Legault, Robert Lepage, Catherine Sénart, Mickaël Gouin, Éric Robidoux, Guy Thauvette, Tristan Goyette Plante, Mathieu Lepage et Justin Leyrolles-Bouchard, selon le roman de Félix Leclerc.

À l’affiche, le 27 octobre.

Hochelaga, Terre des Âmes aux Oscars

Hochelaga, Terre des Âmes, du réalisateur François Girard représentera le Canada dans le cadre du processus de nomination pour le Meilleur film en langue étrangère de la quatre-vingt-dixième cérémonie des Oscars, qui se tiendra le 4 mars 2018. Le jury pancanadien, présidé et piloté par Téléfilm Canada, a rendu sa décision le 25 septembre.

«Promouvoir le cinéma canadien aux publics du monde entier est une priorité pour Téléfilm Canada, et les Oscars offrent une vitrine exceptionnelle à nos talents et notre cinéma» a déclaré Carolle Brabant, directrice générale de Téléfilm Canada. «Une nomination aux Oscars peut complètement transformer la carrière d’un cinéaste en faisant découvrir son travail à des millions de cinéphiles à travers le monde.»

«Je félicite chaleureusement François Girard, Roger Frappier, ainsi que toute l’équipe derrière le film Hochelaga, Terre des Âmes. Je n’ai aucun doute que votre film continuera à séduire tant les cinéphiles que les membres de l’Académie. J’attends avec impatience de voir la vague de soutien du public alors que vous amorcez cette prestigieuse course à la statuette.»

François Girard s’est fait connaître tant comme réalisateur au cinéma que comme metteur en scène à l’opéra et au théâtre. En 1993, son long métrage Trente-deux films brefs sur Glenn Gould connaît un succès international. Cinq and plus tard, Le Violon rouge, récipiendaire d’un Oscar, consacre le cinéaste comme une figure d’importance du cinéma international. En 2007, il réalise Soie, une adaptation du roman à succès d’Alessandro Baricco, et en 2014, il signe La Leçon (Boychoir). À ce jour, les projets de François Girard ont décroché plus d’une centaine de prix internationaux et l’appréciation du public aux quatre coins du monde.

C’est la première fois que François Girard représentera le Canada dans la course aux nominations pour l’Oscar du Meilleur film en langue étrangère.

«C’est un grand honneur qui rejaillit sur Hochelaga, Terre des Âmes et sur tous ceux qui l’ont fait avec moi à commencer par mon ami et producteur Roger Frappier», a déclaré François Girard, réalisateur. «Le film fait entendre le français comme langue étrangère, mais aussi le Mohawk et l’Algonquin. Les langues de deux grandes nations fondatrices de notre peuple.»

Hochelaga, Terre des Âmes est une production de Roger Frappier (MAX Films). Il fait partie de l'élite des producteurs de films canadiens, ayant produit au cours des quarante dernières années plus de cinquante films. Deux de ses films ont été en nomination aux Oscars comme Meilleur film en langue étrangère, dont Jésus de Montréal, qui remporte le prix du jury au Festival de Cannes. Depuis ses débuts en tant que producteur à l'Office national du film dans les années soixante-dix, Roger Frappier a travaillé avec la plupart des réalisateurs de renom au Québec, en plus de faire découvrir le talent de nombreux jeunes cinéastes. Il a ainsi contribué, au cours de sa carrière, à la naissance d'une œuvre cinématographique majeure.

Roger Frappier, producteur, a ajouté : «Travailler avec François Girard fut l’une des plus belles expériences de ma vie et sa vision de notre appartenance à cette terre des Premières Nations jusqu’à nous est en quelque sorte prémonitoire de tout ce que nous vivons en ce moment. Je suis très content que ce film sera maintenant aux côtés des meilleurs films de la planète.»

Synopsis

Une tempête de pluie s’abat sur Montréal, provoquant un spectaculaire affaissement de terrain au stade Percival-Molson pendant un match de football. La partie est interrompue. En quelques heures, le stade devient un site archéologique protégé et des siècles d’histoire se révèlent sous nos pieds. L’archéologue mohawk Baptiste Asigny entreprend des fouilles qui le mènent à la découverte des multiples générations qui ont occupé ce lieu et de leurs secrets enfouis. Baptiste est dès lors déterminé à trouver ce qu’il cherche depuis toujours : la trace du village d’Hochelaga, là où ses ancêtres iroquoiens reçurent Jacques Cartier en octobre 1535. Hochelaga, Terre des Âmes retrace sept cent cinquante ans d’histoire à partir d’un seul lieu où les âmes de toutes les époques et de toutes les cultures se retrouvent malgré les siècles qui les séparent.

L’impressionnante distribution du film Hochelaga, Terre des Âmes met en vedette Samian, Vincent Perez, Wahiakeron Gilbert, Raoul Trujillo, Sébastien Ricard, Siân Phillips, Linus Roache, Emmanuel Schwartz, David La Haye, Tanaya Beatty, Gilles Renaud et Naïade Aoun, pour ne nommer que ceux-ci.

Hochelaga, Terre des Âmes a été financé par Téléfilm Canada et produit par Roger Frappier (MAX Films). Le film est distribué au Québec par Les Films Séville, une filiale d’eOne, et représenté à l’international par Seville International.

Le film sortira en salle à l’automne 2017.

Processus de sélection pour la catégorie du Meilleur film en langue étrangère

Téléfilm Canada coordonne et préside le comité pancanadien composé de vingt-trois représentants des principaux organismes gouvernementaux et des associations de l’industrie audiovisuelle. Ce jury est responsable de choisir le film qui représentera le Canada auprès de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, qui n’accepte qu’un seul film par pays pour la catégorie du Meilleur film en langue étrangère. Le film soumis doit avoir été produit à l’extérieur des États-Unis dans une autre langue que l’anglais et avoir été à l’affiche pendant sept jours consécutifs dans son propre pays entre le premier octobre 2016 et le 30 septembre 2017. Une courte liste de neuf films choisis parmi l’ensemble des films reçus sera révélée en décembre 2017. Parmi ceux-ci, cinq titres seront officiellement mis en nomination en janvier 2018.

Le Canada dans la catégorie du Meilleur film en langue étrangère des Oscars

Dans l’histoire des Oscars, huit films canadiens se sont retrouvés en nomination officielle dans la catégorie Meilleur film en langue étrangère : en 2013, Rebelle de Kim Nguyen; en 2012, Monsieur Lazhar de Philippe Falardeau et In Darkness d’Agnieszka Holland (une coproduction minoritaire avec la Pologne et l’Allemagne); en 2011, Incendies de Denis Villeneuve; et, en 2007, Water de Deepa Mehta. Trois films de Denys Arcand ont également été nommés : Le Déclin de l’empire américain en 1987, Jésus de Montréal en 1990 et Les Invasions barbares en 2004, le seul film canadien à avoir remporté la statuette dans cette catégorie.

La trame sonore du film La Bolduc

À quelques mois de la sortie officielle du film La Bolduc, Tandem présente la trame sonore mettant en lumière le talent indiscutable de Debbie Lynch-White, alias Mary Travers, dite La Bolduc!

Dès les premières notes, l'auditeur ressent le plaisir évident de Debbie à emprunter les traits de la célèbre chansonnière auteure-compositrice et interprète qui a connu la gloire principalement à la fin des années vingt et dans les années trente. Debbie Lynch-White nous entraîne, à travers l'œuvre de cette pionnière, dans un Québec en pleine crise économique avec "Ça va venir découragez-vous pas", "Sans travail" et "La grocerie du coin". Elle turlutte "J'ai un bouton sur la langue" et donne le ton à la fête "Le jour de l'an". Elle nous propose la première chanson qui a consacré La Bolduc au rang des grandes artistes "Y'a longtemps que je couche par terre" et nous renvoie dans l'univers social de l'époque avec "Si vous avez une fille qui veut se marier", "R'garde-toé 'cas t'as d'l'air", "La cuisinière". Enfin, la vie de tournée nous est racontée avec la proposition de "La Côte-Nord".

Un album festif interprété par une Debbie Lynch-White, assumée et convaincante. Elle est La Bolduc!

Debbie Lynch-White a terminé ses études à l'École de théâtre du Cégep de Saint-Hyacinthe au sein de la cuvée 2010. Dès sa sortie, elle a été engagée par le chorégraphe Dave St-Pierre, à titre de remplaçante pour "La Pornographie des âmes". Puis, elle a participé en 2011 au spectacle "Le cycle de la boucherie", créé par l'entreprise du chorégraphe au Théâtre La Chapelle. En 2012, sa carrière a été propulsée, alors qu'elle a décroché le rôle de Nancy Prévost, dans le très populaire téléroman "Unité 9", à Radio-Canada. Elle s'est également illustrée au théâtre dans plusieurs pièces, dont "Le vertige" avec le Théâtre de l'Opsis, "Sunderland" à la Compagnie Jean-Duceppe, "J'accuse" avec le Théâtre d'Aujourd'hui, "Roméo et Juliette" au Théâtre du Nouveau Monde, ainsi que plusieurs pièces de théâtre d'été partout au Québec. En 2011, elle est devenue cofondatrice du Théâtre du Grand Cheval (TGC), qui a produit "Chlore", une œuvre d'abord présentée à La Petite Licorne en octobre 2012, puis en janvier 2014 au Centre du Théâtre d'Aujourd'hui. Son travail au sein du TGC s'est poursuivi, car on y a présenté une deuxième création, "Sylvie aime Maurice", à la Grande Licorne en mars 2017.

Incarner Mary Travers, le rôle-titre du film La Bolduc, constitue un point tournant dans sa jeune carrière.