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Virtuel, hebdomadaire, pour les arts et la culture dans nos Laurentides Édition du 16 août 2017 Dans nos actualités, cette semaine…

Mathieu Lippé lance le clip Les amants de l’aube

L'auteur-compositeur et interprète Mathieu Lippé présente le vidéoclip de la chanson Les amants de l’aube, la pièce-titre de son plus récent album.

C'est aux artisans de l'entreprise Rubicon Pictures & Media qu'a été confié le mandat de mettre en image cette chanson, laquelle s'avère incontournable sur les ondes radiophoniques depuis son lancement à la fin du mois de février dernier. Le tournage a eu lieu dans le magnifique environnement du Parc nature Sandy Beach à Hudson.

Les amants de l’aube est le second extrait de l'album du même nom, lequel a été salué avec enthousiasme par la critique. La sortie de ce vidéoclip est le prélude d'une série de spectacles que présentera Mathieu Lippé cet été, alors qu'il assurera notamment la première partie de l'ensemble des représentations de David Thibault dans le cadre de l'importante tournée du ROSEQ.

Pour en savoir plus sur cette tournée et les activités professionnelles de Mathieu Lippé, consultez sa page Facebook : www.facebook.com/mathieulippeofficiel/.

Un nouveau vidéoclip pour Leif Vollebekk

Twin Solitude, le troisième album de Leif Vollebekk encensé par la critique, se retrouve sur la longue liste des quarante meilleurs albums canadiens du Prix de musique Polaris cette année, aux côtés de Leonard Cohen, Feist, The Weeknd et plusieurs autres. La longue liste a été annoncée le 13 juin à Ottawa. La longue liste a été déterminée par un jury indépendant de journalistes de musique, blogueurs et animateurs provenant des quatre coins du Canada.

Leif Vollebekk partage également un nouveau vidéoclip, via VEVO. Vancouver Time est un vidéo live réalisé par son proche collaborateur Kaveh Nabatian (réalisateur des clips Elegy, All Night Sedans) et a été tourné lors du spectacle-lancement qui affichait complet au Cabaret La Tulipe à Montréal en mars dernier. Leif est présentement en tournée pour promouvoir son disque Twin Solitude.

Cette nomination sur la longue liste du Prix de musique Polaris 2017 est la dernière accolade que reçoit Twin Solitude. L’album que Leif Vollebekk a sorti sur Secret City Records n’a reçu que des critiques élogieuses notamment de NPR, The Fader, Uncut, Paste Magazine, Rolling Stone France, Les Inrocks, The Sunday Times Culture, Boston Globe, The Globe and Mail et plus, tandis que plusieurs pièces du disque tournent à la radio dans plusieurs pays. La musique de Vollebekk est également apparue dans la liste d’écoute New Music Friday de Spotify dans douze pays et deux chansons se sont retrouvées dans le palmarès viral de Spotify lors de leurs sorties aux États-Unis et en Angleterre.

Vollebekk a écrit les dix chansons de Twin Solitude alors qu’il se remettait d’une période éprouvante au niveau créatif, ses propres chansons ne lui convenant plus. Pendant plusieurs mois, il s’est abstenu de composer et même de jouer, jusqu’au moment où de nouvelles chansons lui sont venues naturellement, les unes après les autres, complètes. Comme si elles avaient été écrites par quelqu'un d'autre.

Hommages à Twin Solitude

[un] hommage à la lenteur avec ce troisième disque aussi ­lancinant que réconfortant. Quatre étoiles - Journal de Montréal

Dix chansons plus tard, il inscrit définitivement son nom au panthéon des musiciens Soul-Folk. - Rolling Stone France

une œuvre émouvante et apaisante - VOIR

Wilsen dévoile le magnifique vidéoclip Final

Wilsen, trio originaire de Brooklyn, annonce sa tournée automnale à travers les États-Unis, la première depuis le lancement de son premier album encensé par la critique, I Go Missing In My Sleep (Secret City Records).

Final est une chanson folk cérébrale, trame sonore d’un pas de deux chorégraphié par le danseur Yury Yanowsky, qui apparaît dans le vidéoclip au côté de Rachele Buriassi. Tous deux ont déjà monté sur scène avec le ballet de Boston. Yury a été danseur principal du ballet de Boston pendant plus de deux décennies et il fait partie du corps enseignant de Harvard. Il provient d’une longue lignée de danseurs (il est le fils d’Anatol Yanowsky et Carmen Robles du Ballet de l’Opéra de Lyon, et le frère du danseur principal du Ballet royal, Zenaida Yanowsky, et de la soliste du Ballet national des Pays-Bas, Nadia Yanowksy). Une caméra nerveuse capture la danse rapide et frénétique, qui est juxtaposée à la chanson lente et envoûtante.

Menée par Tamsin Wilson, la formation Wilsen a lancé son fascinant premier album complet en avril. Décrit comme une révélation majeure par NPR Music et déclaré meilleur premier album folk de 2017 par Uproxx, le disque capture l’évanescente tranquillité de New York avant l’aube, évoquée par l’entremise de la voix feutrée, mais puissante de Wilson et les instrumentations intimistes du bassiste Drew Arndt et du guitariste Johnny Simon.  

Depuis le lancement de l’album, Wilsen a lancé un vidéoclip en primeur sur VEVO (Garden), offert l’album en écoute exclusive sur Stereogum, reçu des éloges de NPR et Vice Noisey, eu des séances d’enregistrement avec Nylon, WNYC Soundcheck et Echoes, et bien plus encore. Garden cumule actuellement plus de trois millions d’écoutes sur Spotify. Le trio a d’abord fait sa marque au sein de la scène musicale indépendante en 2013 grâce au EP double autodistribué Sirens, qui fut suivi du EP Magnolia en 2014, de tournées avec Daughter, Matthew E. White et San Fermin, et de spectacles avec London Grammar. Wilsen revient d’une série de spectacles aux États-Unis, au Canada et au Royaume-Uni, ayant partagé la scène avec des musiciens, tels que Patrick Watson et Diane Birch.

Suuns dévoile Instrument

Le groupe Suuns partage un remix pour la pièce Instrument, gracieuseté du DJ et producteur de renom Redshape. La chanson originale provient de leur dernier opus ayant reçu des critiques élogieuses, Hold/Still, tandis que le remix provient du vinyle Hold/Still Remixes, qui sera disponible en édition limitée rouge exclusivement pour Record Store Day, le 22 avril. Écoutez.

Le phénomène Suuns connaît une croissance constante. Enregistré par John Congleton (le protégé de Steve Albini), leur plus récent album, Hold/Still, s’est retrouvé sur la longue liste du Prix de musique Polaris, en plus d’être inclus sur la liste des meilleurs albums de 2016 du Billboard. Le disque a reçu des critiques unanimement élogieuses, Stereogum le décrivant comme une collection ésotérique de chansons qui forment un tout riche et élégant, tandis que USA Today a déclaré que c’est un album dont le son est fantastique. Le disque a été écouté 1,5 million de fois sur les différentes plateformes numériques jusqu’à maintenant.

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Fwonte récidive avec No Wanga

Vendredi, le 2 juin, l'artiste montréalo-haïtien Fwonte a fait paraître No Wanga 2, une production indépendante de huit morceaux, composés d'une fusion unique de musiques traditionnelles internationales, rehaussées d'électro et de hip-hop.

Le lendemain, le 3 juin, Fwonte a eu le bonheur de présenter No Wanga 2 sur scène avec son groupe de musiciens dans le cadre de L'été Mile End, la grande fête pour célébrer les vingt ans de Ubisoft, un spectacle-lancement en plein air et gratuit, offert au coin des rues Saint-Viateur et du boulevard Saint-Laurent. Ce fut l'occasion par excellence de se laisser emporter par les rythmes francs et les basses prédominantes de sa musique, qui invite toujours à la fête.

No Wanga 2 est la suite logique de No Wanga, paru en septembre 2015. Fwonte, un pseudonyme créole qui représente une personne "qui a du front", aborde sur ce nouvel opus les thèmes très actuels de l'immigration et du vivre-ensemble. Ansanm (Ensemble), un titre électro-kompa, écrit en collaboration avec le DJ/producteur haïtien Gardy Girault, en fait état. Fwonte tend à faire une musique du monde hybride, où les mélanges de styles cohabitent en parfaite harmonie. Pensons à Grann, son premier  extrait radiophonique, avec trompette et guitare malienne, ou à Chagren, proposant un mélange de reggae, de trap et de sonorités moyen-orientales. Les compositions de No Wanga 2 sont rehaussées du savoir-faire des réalisateurs montréalais Vincent "Freeworm" Letelier et Franky Selector.

Grann.mp3

Écoutez

Graan

Julie Daraîche présente son nouvel album

Quelques jours après avoir lancé l'extrait qu'elle interprète avec son frère Paul, "J'aimerais si tout recommençait", Julie Daraîche présente aujourd'hui 50 ans d’amour, son tout nouvel album.

Pour ce nouvel opus, Julie Daraîche propose douze chansons originales, dont plusieurs duos avec des piliers de la scène actuelle de la musique country : Jonathan Godin (Mon héritage), David Bernatchez (Je t'appartiens), Rhéal Leblanc (J'ai toujours aimé l'Acadie), Nicolas Dufresne (Dans les eaux si loin), Louis Bérubé (Je vous fais chin-chin), Patricia Caron (Le métier), et Kathy Lavigne (Saint-François où je suis née). Sans oublier les membres de sa famille : sa fille Dani (Je veux chanter) et sa nièce Katia (Dans mes chansons).

La réalisation et la direction artistique de 50 ans d’amour a été confiée à Paul Daraîche. Afin de mener ce disque à bon port, il a réuni des musiciens incontournables de la musique country : Jean-Guy Grenier (guitare électrique et acoustique, basse et banjo), Sylvain Pouliot (guitare acoustique, dobro et piano), Sébastien Savard (mandoline et violon), ainsi que Dan Daraîche (batterie).

Parallèlement à la sortie de ce nouveau disque, Julie Daraîche sera en tournée au Québec cet été. Le 16 septembre prochain, elle se joindra à la douzaine d'artistes qui participeront aux deux représentations du spectacle de clôture du cinquantième anniversaire du Festival Western de St-Tite, dont la mise en scène a été confiée à Renée Martel.

Le nouvel album des Barr Brothers

La première pièce sur le nouvel album des Barr Brothers commence par un motif de batterie composé par Andrew Barr, alors qu’il était assis dans une salle d’urgence, tenant la main d’un être cher. Assis sous les lumières fluorescentes, il observait deux moniteurs cardiaques battant la mesure de façon parfois synchronisée, parfois désynchronisée, s’harmonisant occasionnellement, mais étant destinés à tergiverser. Queens of the Breakers, l’œuvre la plus accomplie des Barr Brothers à ce jour, représente une dynamique humaine similaire. L’album présente une collection de pièces qui évoquent le pouvoir brut et élémentaire de la réflexion, du pardon, du deuil et du vieillissement. Ces onze chansons retrouvent le groupe, formé des frères Brad (guitare) et Andrew Barr (batterie) et de Sarah Pagé (harpe), alors qu’ils s’aventurent encore plus loin dans leur fascinant périple d’exploration des limites du folk, du blues, du rock et de l’Americana créée au nord de la frontière américaine. Queens of the Breakers sera disponible partout le 13 octobre prochain via Secret City Records.

Écoutez le premier extrait You Would Have to Lose Your Mind en cliquant ici.

Ne manquez pas le groupe en spectacle à Québec à l'Impérial Bell, le 23 novembre, et à Montréal au Métropolis, le 24 novembre. Les billets sont en vente dès maintenant.

Le nouvel album voit le jour après la plus longue pause en vingt ans de carrière musicale de Brad et Andrew Barr. Tous deux sont devenus pères depuis la parution de Sleeping Operator en 2014. Pendant ce temps, Sarah a découvert de nouvelles façons de complètement redéfinir la harpe, ses sonorités et son rôle dans la musique moderne. Queens of the Breakers est né à partir d’une réflexion sur la signification actuelle des termes maison et famille, suite aux effets de la vie sur la route. La pièce titre fait référence  aux aventures adolescentes des frères au Rhode Island, alors qu’avec une bande d’amis proches, ils descendaient vers la ville de Newport et le célèbre manoir industriel connu en tant que The Breakers, vêtus des vêtements de leur mère, afin de choquer les touristes. C’est un regard sur les amitiés qui s’évaporent dans le rétroviseur de la mémoire.

La musique des Barr Brothers est plus bouleversante que jamais lorsqu’ils maintiennent un équilibre entre la subtilité et les gestes grandioses, livrant des pièces ayant un impact immédiat, tout en révélant de fins détails enfouis profondément dans les arrangements. Defibrillation (feat. Lucius) cadre parfaitement avec cette définition, avec son rythme décalé à travers duquel est tissée une chanson folk envoûtante. Un des nombreux moments forts de l’album est You Would Have to Lose Your Mind, une puissante chanson qui évolue pendant six minutes à partir de basse ténébreuse, de mélodies néo-soul, de cordes étourdissantes et de harpe bondissante. Entre les mains de Sarah Pagé, la harpe devient un instrument entièrement différent, ses notes se courbant et s’étirant comme celles d’un synthétiseur. La tonitruante It Came to Me démarre avec une rafale de guitare électrique et une explosion de batterie propulsive. Le riff de guitare se lie rapidement à la harpe et au tambourin pour créer un mur de son ondulant.

The Barr Brothers ont lancé en 2011 leur premier album, qui avait été enregistré dans une chaufferie à Montréal. Depuis, ils ont offert des performances à The Late Show with David Letterman (deux fois), à CBS This Morning Saturday, CBC 'q', Canada AM, France Inter Le Nouveau Rendez-Vous, dans le cadre de plusieurs émissions de NPR, à KCRW Morning Becomes Eclectic, et plus encore. Ils ont partagé la scène avec The National, The War On Drugs, Patrick Watson, My Morning Jacket, Emmylou Harris et d’innombrables autres. Le groupe a été tête d’affiche au Festival international de jazz de Montréal devant quarante mille personnes et a présenté des spectacles à guichets fermés dans des salles partout à travers le monde. Paru en 2014, Sleeping Operator a été un album déterminant, qui a permis à leurs chansons de jouer dans plus de cinquante stations de radio Triple A aux États-Unis. Les trois extraits ont eu un important succès sur les chaînes de la radio BBC en Angleterre où le groupe a fait six performances sur différents programmes. L’album cumule plus de soixante millions d’écoutes combinées en ligne à ce jour.

Queens of the Breakers a été enregistré par les ingénieurs de son Ryan Freeland (Milk Carton Kids, Ray LaMontagne, Bonnie Raitt) et Marcus Paquin (Arcade Fire, The National), à Montréal et à Saint-Zénon, au Québec.